Fui seleccionada y con media beca para participar en el festival Chamber music Summer festival at Kutztown University, Pennsylvania, EEUU, en Julio de 2022. Sin embargo, algunos costes de este curso de perfeccionamiento deben ser costeados por mí. Tales son alimentación y parte de alojamiento, lo cual hoy en dicho país es muy alto y escapa de mi presupuesto.
Por eso quiero invitarles a apoyar en esta nueva aventura que me trae mi instrumento. El crecimiento eterno para cualquier artista. Esta es una gran oportunidad muy importante para mí, ya que puede resultar en continuación de estudios u oportunidades laborales internacionales.
A través de la Plataforma Catapultame lanzamos una campaña crowdfounding, donde según tu aporte, puedes recibir distintas recompensas, como grabaciones, ayuda en tu proyecto artístico o ¡clases personalizadas de piano! Puedes donar desde hoy mismo o incluso hasta 61 días. Cuando tú quieras y puedas.
Desde ya muchas gracias por sus saludos, cooperaciones y apoyo!
Este año he sido seleccionada para participar en el Festival de música de cámara del Elqui (FIMCE) con una de las 4 becas disponibles para piano.
Me ha tocado interpretar el Quinteto para piano y cuerdas, en fa menor op 34 de J. Brahms, junto a grandes intérpretes: Nazaret Beroiza (violín 1), Palma Zuñiga (violín 2), Roberto Soto (viola) y Nicolás Díaz Lizama (cello).
Conocí a la profesora de piano Dra. Maria Asteriadou, docente en Universidad Kutztown, Pennsylvania, EEUU, donde el próximo mes también seré parte. (¡sobre eso haré una próxima entrada muy pronto!)
Los conciertos se realizaron en el Salón Mecesup del departamento de música de la Universidad de La Serena. Y las clases en este y otros salones del recinto.
Los videos serán publicados pronto por las RRSS del Festival, ¡así que te recomiendo seguirles desde ya! La próxima versión del FIMCE será en noviembre de este año 2022.
Hoy, sábado 19, domingo 20, sábado 26 y domingo 27 de marzo, a las 20:00 hrs. se transmitirá el Festival online de música de cámara ON, en forma gratuita y vía streaming por el canal de Youtube del festival “Música - ON”.
Este proyecto, financiado por el Fondo de la Música, contempla a 13 compositoras y compositores, además de la interpretación de las agrupaciones Cuarteto Austral (Santiago), Dúo K'anbul (Valdivia) y dúo Sereno (La Serena).
El festival se inaugura sábado 19 con el programa “Compositoras Chilenas”, en donde se interpretarán obras de Tamara Miller, María Carolina López, Javiera Ruz y Alondra Huerta.
Fui invitada a participar como profesora e intérprete en la 27° versión del campamento musical marqués de Mancera, en un edición hibrida online-presencial.
Me presenté en dos instancias en los jardines de la Casa Prochelle 2. Primero, como solista en el Concierto de “Mujeres pianistas” el miércoles 2 de febrero 2022 con obras de D. Scarlatti, Estela Cabezas y F. Chopin.
Luego, con mi dúo K’anbulel domingo 6 de febrero de 2022 con estrenos de las compositoras chilenas Alondra Huerta y Javiera Ruz. Además una obra de Sergio Berchenko, compositor y profesor del Conservatorio de la Universidad austral de Chile; y para terminar, la sonata no 1 para clarinete y piano de J. Brahms.
Fryderyk Chopin fue un compositor romántico polaco, criado en una casa campestre. Desde joven mostró interés por la música, y a los 20 años ya era un pianista y compositor famoso, a pesar de tener pánico escénico. Fue muy apegado a sus raíces polacas y desde el exilio sufrió la nostalgia por su país, que hasta morir de tuberculosis, no volvió a pisar.
Se podría decir que es el compositor más popular para piano, dedicando prácticamente toda su obra a ese instrumento, ya que según él le bastaba para todo lo que quería expresar. Sólo hizo una sonata para cello y piano y un trio.
Dentro de su amplio catálogo para piano están sus nocturnos, estudios, sonatas, mazurkas, polonesas, preludios, conciertos, scherzos y baladas.
Su estilo se basa en el uso de adornos, melodías cantabiles (“cantables”), frases largas, explotación mágica de la armonía y transparencia de pedal y ligereza. Su transparencia denota la influencia de Mozart y Bach. Sus eternas melodías imitaban la voz generalmente femenina, se sabe que era un fiel admirador de las soprano, casi toda su música estaba dedicada a sus musas o mecenas. Aunque su mayor y conocido amor fue George Sand, una escritora soltera con dos hijos que se hizo pasar por hombre para poder publicar. Tuvieron una relación muy seria, viajaron y vivieron juntos, pero Chopin comenzó a enfermarse de tuberculosis y tenía la paranoia de que por eso Sand ya no le quería.
Era un hombre tímido, sensible y reservado, prefiriendo tocar en ocasiones más íntimas o de salones, antes que en grandes escenarios (como le gustaba a Liszt). De hecho su pánico escénico se podría explicar por su personalidad. Fue apoyado por unos Schumanns (Robert y Clara) más adultos y admirado por sus coetáneos F. Liszt y J. Brahms.
Estos dos nocturnos Op.32 fueron escritos dedicados a Madamme la Baronne de Billing. Este tipo de obras se caracterizan por su carácter soñador, personal y fantástico, melodías cantadas y repetitivas, frases largas, transparencia y expresividad. El segundo nocturno tiene modulaciones (son cambios armónicos, podrían describirse como “viajes auditivos”) más marcadas que el primero, pero disimuladas para la escucha.
Es una pieza para uno o dos instrumentos (uno solista y otro “acompañante”, aunque igual de exigente, generalmente piano) compuesta en tres o cuatro partes. Cada parte se llama movimiento, y depende de la obra cuanto dura. Esta sonata dura aproximadamente 20 minutos en total.
Las primeras sonatas surgieron en el barroco, las “trio sonatas”, que eran para dos solistas (violín o flauta, por ejemplo) y un “bajo continuo”, que apoyaba con la base. Con el tiempo fueron explorando el recurso hasta hacerlo para un solista, o para dúo. Por ejemplo, podemos encontrar sonatas para piano o viola solo, sonatas para cello y piano, etc.
Con respecto a la obra
Aprendí esta sonata a los 20 años, para presentarla en el primer Festival Beethoven de Chile (Noviembre 2017), organizado por la Orquesta de Cámara de Chile y el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. Fue una maratón de dos días de música del compositor con la orquesta de cámara, estudiantes seleccionados y profesionales invitados.
Ludwig la compuso en fechas muy cercanas a su tercera sinfonía (principios del 1800) y al igual que dicha sinfonía, es una de las sonatas transitorias entre el clasicismo y romanticismo. Esto se demuestra en:
Fue una sonata escrita para pianoforte, el piano de la transición entre dichos períodos.
Las dinámicas, el registro de la obra, las escasas indicaciones de pedales, la articulación (que fluctúa entre “suelto” y “ligado”) son características de aquel instrumento y épocas.
Se muestra el avance técnico y virtuoso (sobre todo en el segundo y último movimiento) que comenzaba a desarrollarse. Figuras rítmicas complejas, separación de frases diferentes entre derecha e izquierda, son algunos ejemplos que avecinan el despliegue interpretativo futuro.
Sala Claudio Arrau, Teatro Municipal de Santiago
Me impresiona y maravilla cómo el compositor se dedicó a cada detalle y los visualizó tocados como quería, incluso padeciendo una sordera creciente desde los 26 años. El peor mal que puede sufrir un músico. Nunca tuvo explicación y lo atormentó hasta la pérdida total de la audición. Aun así, compuso monumentalmente hasta su muerte.
Beethoven siempre es difícil. Se caracteriza por cambios de carácter, acentuaciones en tiempos débiles (que si ahora generan sorpresa al auditor, imagínate cómo fue en aquel tiempo) y una energía que no para. Se va acumulando de a poco, explota y continúa el ciclo. Así era su personalidad, nunca fue muy amable que digamos. Para uno como intérprete, su música requiere absoluta atención a cada movimiento y sonido y la misma entrega que él puso al componer. Su estilo y bien, el romanticismo en sí, tiene cierto origen del movimiento principalmente literario “sturm und drang” (del alemán “tormenta e ímpetu”), mayormente representado por Johann W. von Goethe en el siglo XVIII.
Esta sonata es sencilla de lectura, más exigente por la sensibilidad y expresividad del romanticismo, tanto como por la ligereza técnica y transparencia del clasicismo. Es decir, la dificultad radica en la cantidad de información y caracteres de la obra. Cabe destacar, que en un piano moderno cuesta más articular y alivianar las notas, porque es más pesado y grande. Por ende es más sonoro (sobre todo las notas graves) y proyecta mucho más de lo que proyectaba un fortepiano. Además, el sonido de un fortepiano se asimilaba más a un clavecín (más agudo) que a uno actual (más cálido).
Ahora un pequeño análisis de cada movimiento y mi experiencia con ellos:
Andante con variazoni:
Primer dato curioso: ver un primer movimiento con esta estructura llamada Tema con variaciones. Mozart lo usó antes en su Sonata no 11 en La mayor (de la cual su tercer movimiento es la famosa “Alla turca”), pero aparte de eso, no fue muy común.
Un tema con variaciones es literalmente eso, un tema equis que se va modificando de a poco en las variaciones. Generalmente el tema es una melodía corta, uno o máximo dos minutos y cada variación dura aproximadamente lo mismo. Al interpretarlo se debe destacar y mostrar dicho tema, para que el público lo comprenda y escuche.
Para mí en este movimiento fue especialmente complejo el uso de pedal, la sensibilidad, sutileza y claridad, además de conectar las variaciones entre sí. Es algo realmente hermoso e íntimo.
Scherzo : allegro molto – trio
Joseph Haydn había escrito algo que podría ser un scherzo, pero fueron Beethoven y Schubert los primeros en establecerlo. Hasta entonces sólo se hacían tres movimientos (rápido, lento, rápido).
“Scherzo” del italiano significa “broma” o “jugueteo”. Surge del minueto (antigua danza barroca) y es justamente una broma: burlón, vivo y entretenido. Asimismo, muy exacto rítmica y melódicamente.
El trío proviene de la sonata a trío, porque está compuesto a tres voces diferentes. Es un poco más cálido y melódico que el scherzo. Finalmente se vuelve a tocar el scherzo sin repetir (esta costumbre también proviene de cómo se tocaba el minueto, pero además, está explícitamente indicado en la partitura).
Marcia funebre: sulla morte d’un Eroe
Este movimiento es la descripción de la llegada al entierro de un héroe y la retirada del lugar. Tiene un carácter trágico, pero a la vez melódico y claro. Al ser una marcha fúnebre, corre el riesgo de volverse monótono, así que hay que mantener el tempo e imagen de un caminar triste. Hay una parte intermedia que parece un poco rara. Esa parte es la mitad y clímax de la sonata, pues representa el redoble de percusiones y acompañamiento de trompetas al enterrar el féretro.
La marcha fue tocada en el funeral del compositor (evento masivo), cuando Franz Schubert, fiel admirador y músico totalmente desconocido en vida, ayudaba a llevar el ataúd. También, sirvió de inspiración para la famosa marcha fúnebre de la Sonata nº2 en mi bemol menor de Chopin (1839).
A mí me gusta juntar este movimiento al último, y que del último acorde surja el otro. En términos musicales, esto se llama tocar attacca (significa “ataque”, es decir, al tiro).
Allegro
Para mi gusto este movimiento es el más difícil, tanto técnica como musicalmente.
Con respecto a lo primero, si bien la sonata en comparación a otras es más sencilla técnicamente, esta parte en ese sentido es un poco terrible. Por un lado, está escrita para un teclado más liviano, que permita rapidez y claridad. Por otro, está divida entre secciones líricas y secciones muy estridentes. Súmese que siempre suena de fondo un ritmo maniático y cargante (muy Beethoven jaja).
Refiriéndonos a lo musical, puede tocarse con diferentes caracteres, ya sea íntimo o brillante. Personalmente, me parece interesante variar entre ellos y así hacer el movimiento más creativo, pues es corto y repetitivo. El final es aún más extraño, algo que se desvanece de a poco y que se debe organizar bien en la mente.
Espero que te haya gustado el artículo y que haya sido un aporte para ti.
Uno de los estudios más conocidos de Chopin. El polaco compuso dos volúmenes (op.10 y op. 25) con 12 estudios cada uno. Son obras virtuosas y muy exigentes técnica, enérgica y musicalmente; ya que son cortas, pero comprimen toda la información para que sea todo muy intenso. Las piden en cada concurso, audición o grabación.
Este estudio fue compuesto cuando Chopin en el exilio se enteró de que los rusos habían dominado Polonia. De ahí que tanto drama: describe un lamento desgarrador de un hombre que se carcomía por la nostalgia. Se organiza por una melodía dramática y lamentosa en la mano derecha, mientras en la izquierda tenemos un motor virtuoso y espectacular.
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Era un hombre tímido, sensible y reservado, prefiriendo tocar en ocasiones más íntimas o de salones, antes que en grandes escenarios (como le gustaba a Liszt). De hecho su pánico escénico se podría explicar por su personalidad. Fue apoyado por unos Schumanns (Robert y Clara) más adultos y admirado por sus coetáneos F. Liszt y J. Brahms.
Estos dos nocturnos Op.32 fueron escritos dedicados a Madamme la Baronne de Billing. Este tipo de obras se caracterizan por su carácter soñador, personal y fantástico, melodías cantadas y repetitivas, frases largas, transparencia y expresividad. El segundo nocturno tiene modulaciones (son cambios armónicos, podrían describirse como “viajes auditivos”) más marcadas que el primero, pero disimuladas para la escucha.
